Ci sono film che, pur appartenendo al genere horror, scelgono di percorrere strade meno battute, puntando più sull’emozione che sullo spavento. Questo titolo, accolto con grande attenzione al Sundance Film Festival del 2020, ha lasciato il pubblico non solo turbato, ma profondamente commosso. Con una storia intima e dolorosa, riesce a raccontare l’orrore da un punto di vista inusuale, facendo emergere paure molto reali e universali, senza mai forzare la mano. Il risultato è un’opera che non si dimentica facilmente, perché non colpisce solo la mente, ma è un vero pugno nello stomaco.

Stiamo parlando di Relic, che segna l’esordio alla regia di Natalie Erika James, che ha saputo trasformare un’esperienza personale – la malattia della nonna – in una narrazione intensa e carica di significato. Al centro della storia ci sono tre donne appartenenti a tre generazioni diverse, unite da un legame profondo e messe alla prova da un evento inspiegabile: la scomparsa e il misterioso ritorno dell’anziana della famiglia. Da quel momento in poi, tutto inizia a cambiare. La donna mostra segni di crescente disorientamento, e anche la casa in cui vive sembra trasformarsi lentamente, come se assorbisse il dolore e la confusione che la circondano.

Gli elementi inquietanti non si limitano alla dimensione psicologica: strani rumori, pareti che si modificano, muffe nere che si espandono silenziosamente diventano manifestazioni visive del disfacimento interiore. La regista costruisce un’atmosfera tesa e claustrofobica, in cui l’ambiente riflette lo stato mentale dei personaggi, in particolare quello della protagonista anziana, sempre più distante dalla realtà. Verso la fine, la vicenda assume contorni ancora più oscuri, toccando anche le sfumature del body horror, ma senza mai perdere di vista la dimensione emotiva.

Lontano dagli stereotipi del genere, questo film si inserisce nel cosiddetto filone dell’“elevated horror”, quella corrente che privilegia il dramma psicologico e la riflessione rispetto al semplice intrattenimento. Accanto a titoli come Hereditary, The Witch o Midsommar, questa pellicola si distingue per la delicatezza con cui affronta temi come la malattia, la memoria e il peso dei legami familiari. L’orrore nasce dal quotidiano, dal lento sgretolarsi dell’identità, dal dolore di assistere impotenti al cambiamento di una persona amata.

Le interpretazioni sono uno degli elementi più forti del film, in particolare quella dell’attrice che interpreta la donna anziana, capace di restituire con grande sensibilità i momenti di lucidità e quelli di smarrimento, di dolcezza e di aggressività. La regia accompagna con rispetto e misura il racconto, evitando facili sensazionalismi e affidandosi piuttosto a dettagli simbolici: album fotografici impilati come memoria da ricostruire, chiavi che non aprono più alcuna porta, stanze che si chiudono alle spalle come ricordi inaccessibili.

Uno degli aspetti più toccanti del film è la rappresentazione del lutto anticipato, quella particolare forma di dolore che si prova quando qualcuno a noi caro è ancora presente fisicamente, ma non è più lo stesso. È una perdita lenta, silenziosa, difficile da spiegare a chi non l’ha vissuta. E proprio per questo così profondamente umana. In questo senso, il film riesce a unire l’orrore più viscerale a una riflessione sincera sulla fragilità e sulla cura.

Uscito in un momento in cui il cinema dell’orrore stava già iniziando a cambiare direzione, questo titolo ne è diventato un esempio emblematico, anche se ancora troppo poco noto al grande pubblico. È un’opera che merita di essere riscoperta, per la sua capacità di affrontare con onestà e delicatezza paure che spesso preferiamo non nominare. Un film che fa male, ma che proprio per questo riesce a lasciare qualcosa di importante.

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Fonte: MovieWeb